温馨提示：本文共有11320个字，大小约为50KB，预计浏览完需要29分钟，请仔细阅读吧！
目录：让孩子参加一次才艺展现，好过于十次课内学习。
上学的时候，印象非常深刻的事情，那就是才艺表演。彩蛋爸爸发现，那些在台上表演的、在学校叱咤风云的，都是同一批人。
这些同学无论学习成绩如何，但至少，他们的眼睛里，是露着自信的。
01 孩子为什么需要“必备才艺”
想必这个答案，家长们都知道，彩蛋爸爸也就不那么啰嗦，简单谈一谈。
法国的思想家、文学家罗曼·罗兰曾说过：艺术家的任务是在没有阳光的时候创造阳光。
于孩子而言，学习各种才艺，想要真正成为艺术家，那么孩子需要超过99%的人，才能站在顶端。我们要的，其实并不一定是孩子站在顶端，而是孩子在自己的生活中，如果出现阴暗，那么，能够利用这些才艺，为自己创造阳光。
孩子在学习才艺的过程中，能够获得吃苦耐劳的品质，知道有付出才有收获，在漫长的血液学习中，孩子也能够更加沉得下心来；
孩子虽然学的是才艺，但是，同时能够带给孩子的，还有眼界、不一样的知识，这些都能够增进孩子的探索欲，刺激孩子思维能力的多元化发展。就像绘画，能够激发孩子的创造力与想象力。
孩子学了才艺，能够让孩子更加自信，至少在学校需要组织活动表演的时候，孩子能够有一项能够拿得出手的才能；
有些孩子的才艺，说不定未来便能够成为他的职业方向，受益一生！
一项才艺对孩子而言，永远都是“锦上添花”的存在。
02 细数学起来容易、展现方便、还实用的才艺
朋友家的女儿，从5岁开始便学钢琴，也学了其他一些东西，但是到了小学，就只剩下钢琴一个兴趣班了。小姑娘也争气，钢琴弹得很不错。
上四年级的时候，学校校庆，组织了一场非常大型的文化表演，小姑娘的钢琴曲目，被老师选中了。小姑娘在家练习了很久，但是在临近表演的时候，却被换掉了。理由是，学校唯一一架钢琴坏了，再从其他地方弄钢琴来，有点大费周章。
最终，替代小姑娘的，是另一个小朋友的古筝表演。为此，小姑娘在家哭了好多天。
首先肯定的是，小姑娘是有才艺的，但是，这份才艺却无法随时随地能够展现，场地、道具非常受限。相比之下，有一些才艺既不是很难，展现还方便，对孩子也非常有好处，很实用。
第一类：舞蹈类
一些民族舞、拉丁舞、芭蕾等，需要一定扎实的基础，对于大点又没基础的孩子而言，学起来还是比较费时费力的。
但是，街舞等一些不需要太多基本功的舞蹈，孩子可以适当学一学，学的时间不会太长，基本可速成，而且在舞台上表演起来，还非常“燃”。
第二类：乐器类
不管孩子是否有钢琴基础，其实都建议孩子学一些轻便的乐器，比如古琴、琵琶、二胡、葫芦丝、笛子等等。这些传统的乐器，现在非常受欢迎。哪怕不是单独表演，有些复合表演中，也需要这些乐器去衬托古典美。
而且这些乐器的学习，想要学入门，还是比较容易的，有基础的孩子，一个学期就能够学得不错。
第三类：书画类
书画类，虽然说在舞台表演上，不是很适合，但是，学校都有展窗，时不时要求孩子们上交一些作品在橱窗内进行展示。
又或者，学校有黑板报等需要书画类才能的，孩子都能够去参与。
这些才艺，你家孩子学了几个？
知道我在教表演的时候，那些热爱戏剧但并不从事这个行业的人经常问我，对那些满怀演艺抱负的人，我到底要教什么，才能使他们最终成为训练有素的演员。“标准的吐字发音，这是当然的。”他们接着猜，“还有声音控制和肢体魅力。但还有什么别的，或者说，还能有什么别的吗？”
有。在表演训练中还有一些其他的元素，使他或她成为一个独特而有趣的演员，这些元素才是一位老师可以传授的最精妙的部分。教法律、医学、建筑、化学，乃至几乎任何行业的课程，都可以有标准原理和教科书，但戏剧除外。因为在大多数行业中，每个从业者使用的工具和技术都大同小异，可演员的主要工具是他自己。而这世界上没有哪两个人是完全相同的，那么也就不存在某种普遍的规则可以适用于任意两个不同的演员。
我曾经专门去波多黎各，在海滩上的一所小房子里度过了四个月的美好时光，想要写出一本关于这些问题的书。我写了两章。可后来当我重读它们时，根本就看不懂。我当时以为，这本书就到此为止了，因为我认定，“一本有创造性的表演教科书”这个说法本身就是自相矛盾的，试图写一本这样的书是愚蠢的，甚至是错误的。
不过，我那些令人敬重的朋友还是让我确信，我传授给年轻演员们关于表演方法的经验是有价值的。或许在一位合
那本书从未出版过。我的戏剧直觉告诉了我原因：戏剧是人的个性在行动的真实中相互交织的竞技场，而那种自白模式在戏剧中是不可能长久的。当我们想到剧中的那些角色时，我们会自然而然地以动态的、客观的词汇来思考他们：俄狄浦斯，他；菲德拉，她；李尔王与愚人，退场。
所有这些对于前情的陈述，都是为了向读者们解释本书中所采取的这种新的合作形式。在书中，我不是“我”，而是以“他”的身份出现。也就是说，我以我自己的身份出现：一个老师，被具有天赋的学生们围绕，在教授一门又难又神秘的艺术——表演。萧伯纳，我所认为的自亚里士多德以来最伟大的戏剧评论家，曾写道：“将自我背叛放大到适应剧场的观演环境，是表演艺术的全部。”他所说的“自我背叛”，指的是有天赋的演员将自己最内在、最私密的东西纯粹地、不加自我修饰地展示给观众。在书中，学生们要通过练习的各种要求来揭示自己，以达到能够运用我的表演概念的基本原则所需要的自我认识。我也“背叛”了自己，因为在这里，为了传授我所知道的东西，我被迫暴露自己，比任何一个谨慎的人向他的牧师坦白时说得还多。
最后一句话：我成为下面这篇记录中的中心人物，是冒着被指责的风险的。我是在以戏剧之名进行自我揭示，这也正是我在课堂上扮演的角色。演员就位！
桑福德·迈斯纳 1986年10月于纽约
有不少同学对音乐艺考依然很模糊，不清楚音乐专业有哪些，考试内容侧重点，甚至有学生认为音乐专业只有音乐表演和音乐教育。现在央布小编给大家进行全面解析，在湖北，音乐艺考需要学什么。
音乐艺考分为音乐教育类和器乐类两大类别。
音乐教育类艺考内容：声乐、钢琴、视唱练耳、音乐知识、素质面试等。
器乐类艺考内容：主科（相关器乐择其一）、声乐、视唱练耳、音乐知识、素质面试等。除了钢琴外，其他所需乐器需要考生自己携带。
艺考音乐类专业主要有：
一、音乐学：音乐学专业包括艺术学与教育学两个方向。学习该专业的学生需掌握大量的音乐史论、理论、中外民族民间音乐、音乐美学等，而且还要具备一定的钢琴或其他乐器演奏的能力，以及作曲技术的基础和相当的文学功底。
二、音乐表演：音乐表演专业培养具备音乐表演方面的能力，能在专业文艺团体、艺术院校等相关的部门、机构从事表演、教学及研究工作的高级专门人才。
三、声乐（民族、美声）专业：专业课程设置主要有声乐专业课、钢琴、视唱练耳、音乐理论基础、形体、台词、节奏训练、音乐欣赏、民间音乐、中外音乐史、舞台演唱训练、组合、训练、表演等。
四、乐器表演专业：乐器表演专业大概分为西洋乐乐器表演和民族乐乐器表演两个方向，而西洋乐乐器一般分为键盘乐器和管弦乐器。
五、录音艺术专业：该专业毕业生除了能在广播、电视、电影系统从事声音音响设计、录制外，还可以在很多商业的演出公司工作，更可以到高校任教。
六、作曲及作曲理论专业：该专业的学生不仅学习作曲技术与作曲技术理论方面的基本理论和基础知识，而且还要掌握各种音乐体裁的作曲技巧，并能够熟练地把握和声、复调、曲式、配器的专业知识和技能。
以上就是央布教育对于湖北音乐艺考生需要学什么，整理出来的内容，对这方面不怎么了解的同学就可以作为参考，希望大家在考前不要懈怠，努力练习，在艺考中拿出自己最好的状态，考上自己理想的大学。
2020年霹雳舞正式成为奥运及亚运项目 同年北体大开设霹雳舞专业
霹雳舞大学生享受最街头的课堂
“今天我们学习背转，谁先来试试？”在北京体育大学的健美操馆里，穿着帽衫、戴着棒球帽的学生们围成一个圈，随着音乐的节奏舞动。2020年，国际奥委会同意在2024年巴黎奥运会中增设霹雳舞项目，这项起源于上世纪70年代的街头舞种顺利“入奥”。同年，亚奥理事会第39届全体代表大会明确，杭州亚运会新增霹雳舞项目。也是在那一年，北京体育大学正式开设霹雳舞专业。作为全国高校唯一的霹雳舞专业学生，2020年入校的学生目前已经大三，三年他们都接受了哪些专业学习，有何收获，他们又如何看待霹雳舞即将在杭州亚运会上的亮相？北京青年报记者近日对北体大霹雳舞专业的学生和老师进行了采访。
接触多舞种 风格更重要
“当霹雳舞成为正式的高校专业后，它的学习会更综合、更系统。除了霹雳舞的专项基础训练，还有针对专业风格的训练，同时竞赛学、理论知识、英语等文化课都要学习。”北京体育大学霹雳舞专业专项教师、体育教育训练学在读博士白鹿介绍，学生们需要接触、学习不同舞蹈风格，比如民间舞、拉丁舞、芭蕾舞等。
北青报记者了解到，北体大霹雳舞专业目前共有31名学生，其中，大一7名学生，大二13名学生，大三11名学生。霹雳舞专业的课程，分为专业课和文化课，专业课包括街舞风格训练、街舞体能训练、街舞竞赛实战、街舞技术训练课、基础课，以及街舞表演剧目等课程，同时还按照不同年级开设芭蕾舞、现代舞、空翻等课程；文化课则和普通高校学生一样，有英语课、思政课等。此外，学生为修满学分，还可以选择游泳、太极、瑜伽等选修课程。
每学期期末，霹雳舞专业所属的艺术学院会进行一场“文艺汇演”，这同时也是同学们的考场。“期末考试时我会要求学生们准备一个作品参加艺术学院的表演，一是作为考试，二是展示学习成果。”白鹿告诉北青报记者，他对学生作品的评判并没有什么硬性要求，只要平时按照课表上课，积极学习、练舞，基本就不会在专业课上挂科。“从舞蹈上，我不会对学生们有什么限制，比如必须达到什么样的水平和成就才行，重要的是一直在努力。”
目前，霹雳舞专业共有4名任课教师，分别偏向于体能、音乐、编排和风格的教学。白鹿在日常教学中更重视培养学生们自身的街舞风格。“虽然动作很重要，要练到像走路一样自然熟练才行，但动作可以花时间下苦工训练，而真正优秀的舞者，都应该有自己独特的风格。”白鹿告诉北青报记者，霹雳舞是非结构化、程式化的，它没有固定标准。“就比如期末考试，我不会以某一个技术的完成度给学生们打分，而是会让他们斗舞，或者让几个人出一个作品。奥运会、亚运会及世界各大赛事的评判标准分为技术、多样性、个性、音乐、创造性、表演6个方面，但这些都很难像其他体育项目一样，有一个明确或可以量化的评判标准。这时候，你表现出来的风格和状态，就显得很重要。”让白鹿十分开心的是，目前霹雳舞专业大三的学生中，部分同学已经开始显现出个人风格。
课堂“很街头” 练舞像聚会
3月10日，在北体大的健美操馆里，白鹿拍了拍手，示意同学们围成一个圈，开始上课。这节课学习背转，一名学生仅用后背贴着地面，四肢团起旋转了几圈后，白鹿和其他同学都拍起了手，“太强了！”
不同于普通课堂，霹雳舞的授课大多是在健美操馆里完成。技术训练课时，老师会一直播放有节奏的音乐，大家围着老师，学动作、练动作。当有同学较好地完成技术动作时，大家就会给他拍手、称赞，“Nice！太强了！”如果完成得还不尽如人意，大家也会一起分析，是因为哪个环节没有控制好，互相学习。在讲解竞赛规则时，健美操馆里会支一张白板，大家就在场地边席地而坐，这就是课堂。
“霹雳舞专业的学生，根本不用我们老师操心。”白鹿说，除了课表安排的课程外，基本每天晚上和周末，同学们都会不约而同地继续练习。
霹雳舞专业大三学生徐广昊从小就喜欢霹雳舞，在上大学之前，已经在市级比赛中取得过一些名次。在得知北体大将开设霹雳舞专业后，在父母的支持下，2020年他成为霹雳舞专业的首批学生。“大家都十分热爱街舞，白天一起开开心心地学街舞，到了晚上去练舞，更像是一种聚会，不管是课上课下，都觉得很有意思。”徐广昊告诉北青报记者，大三期间，每周有2节街舞实操课，每节2课时。“上课主要是学习技巧，其实强度并不大，但想把课上学的动作练好，都是靠课下我们反复去练习，将技巧练熟。”
相比过去在社会上的舞蹈班里学习，徐广昊认为，霹雳舞专业对街舞的学习更加系统。“比如舞蹈班的老师教了一个动作，你想练好就要做几百次，反复练。但在学校则不同，课程设置是一个完整的体系，比如体能课，霹雳舞动作需要发力的肌肉老师会进行针对性训练，感觉‘事半功倍’。”同时，徐广昊还认为，舞蹈班里的老师教的大多是他们自己总结出来的内容，但北体大的老师是参考了很多人的跳舞经验，总结出了大部分人都适用的内容进行教学。
观赛受激励 期待亚运会
“街舞也并不是一个纯技巧的舞种，它要有对音乐的理解，要跳出不同的风格和味道，这些都需要你去跟其他人多交流。所以课上、课外同样重要。”只要有机会，徐广昊就会参加各类街舞比赛和舞蹈类综艺节目。让徐广昊体会很深的是，过去是他一个人参加比赛，感觉在“孤军奋战”，如今他的同学们也成为他的战友、队友、朋友，参赛时的氛围感特别好。“就是什么都不用害怕，感觉身后永远有人在支撑着你。”也是通过参加比赛和综艺节目，让徐广昊发现，原来霹雳舞也可以有编排、可以更具观赏性，这也不断激励他再努力一些、再多学一些。
北青报记者注意到，在首批霹雳舞专业，有多名学生曾经学习过健美操。如今已经大三的焦洋，就是其中之一。“高考那年，我跳健美操通过了初试，然后进行了三四个月的霹雳舞‘魔鬼训练’，复试是跳霹雳舞通过的。”但进入北体大霹雳舞专业后，焦洋从心理到身体，对霹雳舞都还有点“掰不过来”。
“以健美操的基础练霹雳舞，有优势也有劣势。比如霹雳舞的很多支撑动作，我看一遍就能做出来。但健美操要求‘力到指尖’‘一拍到位’，霹雳舞则更自由一些，律动性比较强。”焦洋说，刚入校时，“僵硬”是自己最大的问题。为了解决这一问题，即便是到了现在，他都还会把自己练舞的画面用手机拍下来，通过回看，不断地找问题，去转变。如今，焦洋对霹雳舞越来越有兴趣。“真的很帅，会让人不由自主地想要学更多、练更多！”
9月23日，第19届亚运会将在浙江杭州开幕，霹雳舞这一“新成员”也将首次在如此大规模的国际综合性赛事中登场。霹雳舞专业同学们也对此颇为期待。“如果去不了现场，直播肯定要看的。”徐广昊告诉北青报记者，和其他比赛一样，多看就能多受启发，让自己变得更强、更好。“如果有机会，也希望自己能去参加。”
选择更多元 考研受青睐
作为全国唯一的霹雳舞专业，将街头艺术搬进课堂，不免会让人产生疑问。明年霹雳舞专业的首届毕业生，同所有毕业生一样也面临就业问题，他们的就业前景如何？他们将如何继续发展？
白鹿告诉北青报记者，霹雳舞专业的学生就业时其实有多种选择，可以成为职业舞者，追求专业上的精进；也可以成为舞蹈工作室的老师，让更多人喜欢上霹雳舞；还可以考体育教育训练学等专业的研究生，对霹雳舞进行更深入的研究。
徐广昊和焦洋在接受北青报记者采访时都表示，有考研究生想法。还有很多同学在不断学习霹雳舞的过程中，也都萌生了考研的想法，想通过更深入的研究，完善霹雳舞学术体系。
“目前，我们没有专业的教材，也没有人将这些专业的训练方法整理出来。大家都很热爱霹雳舞，但在喜欢跳的同时，也还想再深入研究一下，变得更专业、更厉害。”徐广昊告诉北青报记者，如果没有如愿考上研究生，他会选择成为一名职业舞者，继续参加各类街舞比赛不断提高自己的专业水准。
对话
希望学生们未来能走上更大的舞台
对话人：
北京体育大学霹雳舞专业专项教师
体育教育训练学在读博士白鹿
北青报：什么契机成为全国首批高校霹雳舞老师？自己学习霹雳舞多久了？
白鹿：我2008年开始跳霹雳舞，2011年考入了北体大艺术表演专业，毕业后考了运动康复系的体能训练方向研究生。奥运会增设霹雳舞项目后，学校要建设相关学科，我就跟学校说我可以来做这件事。然后考了北体大体育教育训练学博士，并一直担任霹雳舞老师。
北青报：希望自己培养出什么样的学生？
白鹿：我希望他们可以慢慢认识到自我，形成自己的街舞风格，可以独当一面。最好能把自己的目标放得更大，未来可以去世界舞台上证明自己。
北青报：三年的教学中，有什么收获、困难、挑战？
白鹿：最大收获就是我的学生们了。如今大二、大三的学生，与其说是学生，不如说是朋友，我虽然是他们的老师，但我们平时相处就像伙伴一样，大家都是因为热爱街舞，在一起努力、学习。有时候他们练舞我也会去，大家一起切磋、练习。
我正在着手编辑霹雳舞的专业教材，教材的内容需要基于教学实践不断修改、调整，这对我来说是全新的尝试和挑战。
北青报：是否期待学生们未来能参加奥运会、亚运会或职业比赛？如何看待比赛与舞者的关系？
白鹿：街舞是一个很自由的东西，除了学习必须要多看、多交流。而参加比赛，是与其他舞者交流的一种方式。奥运会、亚运会相对于职业比赛而言，更偏竞技一些。而例如Redbull bc one、 freestyle session、IBE、Out break等职业比赛，则更能体现他个人的风格和水平。
目前我的学生中，有一些在北京地区办的职业比赛中拿过冠军、亚军。希望他们未来能走上更大的舞台。
(北京青年报 记者 叶婉)
文/视界科技
编辑/视界科技
音乐剧是一种以戏剧为基础，音乐为其精髓，舞蹈作为一种主要的表达方式，通过戏剧、舞蹈和音乐三大要素的高度融合，来讲述故事，刻画人物，传达思想。
今天，这个美丽的场景被更多的中国人看到了。
近年来，北京剧院相继演出了《猫》、《巴黎圣母院》、《吉屋出租》、《胡歌》、《西区故事》、《妈妈咪呀》、《42号街》等一系列举世闻名的音乐剧目。
我们在感受到这一点的同时，也在思索着，该怎样将歌舞剧的舞姿应用于剧场的形态教育之中。
本文将从歌舞团的舞台性质，使得歌舞团离不开舞团，在歌舞团中，舞团是继音乐之后，歌舞团的重要组成部分。
而舞曲则以各自的单独的舞步，将其灵魂核心完整地呈现在戏剧的舞台上，从而使其变成了最为灵活的表演手段。
与传统的芭蕾相比，音乐舞曲的舞姿并不优雅而高雅，其舞姿特征更多的是贴近生命。
百老汇歌剧院的舞蹈风格，融合了爵士舞、芭蕾舞、踢踏舞、欧美民族舞蹈、拉丁舞等诸多舞蹈形式，以爵士舞、踢踏舞等形式来表达人们的生活与情绪，特别是不同风格的爵士舞，在歌剧院的音乐表演中更是大行其道。
现代的爵士舞曲，更是将当下最受欢迎的乐曲与舞曲融为一体，形成了一种别具一格，极富感染力的表演风格，在现代的舞坛上熠熠生辉，熠熠生辉。
它是一种兼容并蓄、灵活多变的舞种，它可以借鉴和模仿其他的舞种，将芭蕾的姿势、踢踏舞的敏捷、现代舞种的身体收缩和舒展、拉丁舞种的步伐、摇摆臀部、东方人上身的移动姿势等都融入到了它的节奏中，再加上一首古典的曲子。
在舞蹈过程中，有时候会弹响手指，有时候会摆首顿足，有时候会有一些激动和强烈的情绪，有时候又会有一些迟缓和轻盈，将自己的身体融入到了音乐之中。
用身体的颠、抖、扭来表达自己的情感。它是一种快速而有活力的节奏性舞蹈，具有很强的生命力和创造力。
其特点就是简单，随心所欲，没有任何矫揉造作。
而且，在这部戏中，演员们所创造出来的热情四溢的氛围，以及他们的欢乐愉快的心情，都有着极强的感染力，他们可以精确地表达出一个新时代年轻人的内心世界和人生状况。
《猫》），《西部故事》，《芝加哥》，《为你疯狂》等许多古典音乐作品中都有一些十分有名的爵士舞剪辑。
总之，在一部音乐剧里，舞蹈是一部充满了热情的表演，它用一种流畅的身体美感，以及一种非常活泼的舞姿，来将那些不能用音乐和戏曲来传达的情感表现出来。
演员运用强大的身体语言来表现他们的快乐与痛苦，利用他们在表演过程中的变化来表现角色的情感波动，并利用他们在表演过程中身体动作的幅度、力度、速度来表现他们的戏剧效果。
在此基础上，运用各种技巧，将舞曲和故事结合起来，推动故事的发展，并展现出角色间的矛盾和矛盾，使得舞曲片断呈现出强烈的戏剧色彩。
在人物塑造，情感表达，舞台节奏，铺陈场面，推进剧情，表现矛盾等方面，都是最好的素材和方法，许多经典之举，堪称绝无仅有。
我们都知道，在舞台上，只有把角色刻画得惟妙惟肖，才能达到最好的效果。
当前，伴随着多种戏剧形态的发展，无论是歌剧中的唱念做打，还是舞台上的说演，以及音乐剧中的载歌载舞，都对演员的整体素质提出了一种新的要求，因此，身体的质量对演员来说尤为关键。
一位优秀的演员，能够运用丰富多彩的形象，刻画角色，抒发感情，讲述故事，打动观众。
在当代，在戏剧的舞台表演中，不仅要有演员懂得表演，还要有良好的外型气质。
此外，还对演员的形体的表现力、协调性、柔韧度、节奏感、灵活性都要好，还需要将角色的身体表现空间的广度与深度加以扩展。
剧院表演系在选拔人才方面，并没有像舞蹈系那样严格的身体条件。
这些被录取的学员，有些是艺术院校的，有些是有着扎实扎实的基本功，有些却是非常薄弱，这种巨大的差距，对以后的形体教育造成了很大的困难。
因此，教师在授课时，要根据学员们的身体状况，进行针对性的教育，尽可能地将学员们的体能潜能发挥到最大。
采用多种的教育方式和方式对其进行培训和启发，使其自觉地纠正在日常生活中不恰当的形体姿势，使其能够对自己的身体进行自由控制，使其更加富有张力和表现能力。
在戏曲艺术专业中，学生的身体素质教育具有多样性，而身体素质的培养和身体素质的培养又是其中的关键环节。
在剧场的形体教育中，怎样去遵守剧场的艺术规则，怎样去指导学员去调整和符合剧场表演对形体表达的特定需求，怎样去提升学员的形体表达能力。
让学员能够在经过严格训练之后，拥有一个很好的形体基本功，在使用身体语言来刻画出一个能更好地为演出而工作的角色，这些都是我们必须要进行很长时间的深入探讨的问题。
作为教师，要开拓思维，建立新的教育观念，要有较强的创造性。为达到现代戏曲的目的，应注重对学员进行全面的美术素养教育。
所以，在形体课的教育中，要与时俱进，要善于学习，要善于借鉴，不要墨守成规，要对课程进行科学的改革。
如果能够对演出教育有一定的帮助，可以在很快的速度内，将他们的演出热情和身体表现的技能都发挥出来，我们就可以借鉴并学习。
总的来说，在经过三年的教育之后，在学校中，设立了一门音乐舞蹈片段课程，对学生们进行了很大程度上的拓展，同时也为其他专业课程提供了很多的启发和借鉴。
同时，他们也变得更有了自己的性格，知道了怎样运用外在的身体姿势，来表达自己的内心的感受。
在教室里，他们不仅学习到了跳舞的片段，他们还学习到了如何专注、忘我、自信地用自己的身体来表达自己，展示出自己的个性。
他们还学习到了将跳舞和戏曲相融合，学习到了在跳舞中进行戏曲演出，牢记了“形体是为演出而生的”这句话。
央视（2006，毕业歌一一青年集结在军旗下，我们编排和编排的戏曲教学（声台形表）综合栏目（寻梦），同学们将我们的教育成果很好地展现出来。
歌舞剧中的舞曲，就是用多种音乐和多种类型的舞姿，配合故事情节、声音和对白，来表达故事情节。
在剧场形态训练方面，我们将提供具有冲击力、爆发力及表现能力的古典音乐舞曲片段课程，其中包含爵士舞，现代舞单一元素的训练，协调与身体局部节奏的训练，爱尔兰式的脚踏舞训练，身体机能训练及声音训练，以及各种不同类型的百老汇音乐曲目的表演。
在三年多的实践中，我们逐步总结出如下几点经验：
（一）要以“快乐学习”为指导思想
在教学过程中，要追求一种轻松、活泼、幽默、生动的氛围，充分发挥学员的积极性，使学员在愉快、激动的氛围中进行练习。本课程以学生的身体为出发点，从头到脚展开对其的练习。
在教室中，以选择出具有典型爵士风格特征的舞蹈要素（包括现代爵士舞和芭蕾爵士舞的基础要素）为基础，对其展开教学，让同学们明白，爵士舞是一种风情万种，急促而富有动态的节奏型舞蹈。
练习要有标准的体制和方式，说明了白马骑士舞的放松，发泄，送胯，扭腰，有爆发力，有激情，身体呈波浪状，还有一种扭曲是其最大的特征。
对学员的训练，有一定的指导意义，对其进行正确的头部、肩膀、躯干、臀部的摇摆和扭转，对身体的屈伸，旋转，绕环，摆振等的连贯性和连贯性都要达到很好的效果。
然后，他会选择一些不错的爵士乐来练习。
在一首充满活力和活力的爵士乐曲中，学员们的精神会变得亢奋，他们的肉体会不自觉地跟着节拍跳舞，他们的心灵也会跟着他们的肉体剧烈的动作，自然而然地流露出一种激动和热情的情绪（在演出练习中，这样的情绪是非常必要的）。
在练习中要让同学们明白，身体是我的，不是他人的，要学习信心，要勇敢的发展，要把身体发挥到极限。
对同学们来说，要掌握好他们的身体部位与韵律的改变，要尽可能地将自己的四肢进行放大，要有自己的独特性。
经过严谨的教学，学员们的四肢协调能力、各部位的柔韧性、爆发力、柔韧性都得到了极大的提升。为学员提供令人惊讶的节奏感觉和神经兴奋度的培训。
告知了他们要进行每个动作，都要有内心的感觉和表现，着重要让他们在维持身体的快速、激烈的运动的条件下，发出响亮的声音。
并在进行演出的过程中，能够比较好地调节、控制身体呼吸与演出状态的稳定性，从而维持身体的和谐、和谐与美。让学员们通过一支爵士舞蹈，将自己的情绪和情绪表达在舞蹈中。
去寻找“自我”和“自由”，去影响和影响自己和别人，从而实现培训目标。
(二)循序渐进地讲授古典音乐舞曲片断
歌舞团是一种富有挑战和先进性的教育。
我们在授课过程中，重视对学生进行对人物形象的刻画，加强学生对角色的感受和表现的技能，重视表演和舞蹈之间的内在联系，已经构成了一套比较完善的、有特色的戏曲形体课程。
这种培训对于学习戏曲表演的人来说非常关键。
从最基本的舞蹈要素的培训，到相对困难的音乐剧舞蹈片段的培训，这是一个从肉体到精神的蜕变，因此，培训的内容也相对复杂。舞蹈片断与舞台要素的培养，则是其主要的课程（歌舞剧的一个主要表达方式，就是要把握舞台的精髓进行演出）。
我们的特点是：在舞台上进行了短篇的舞蹈教育，并在舞台上进行了全方位的演出教育。
在教学方面，选取了有一定指导意义和特色的古典舞曲短片。
运用基础的“描红法”教学，强化对演员的形态技巧与舞感，并以舞台上的场景为指导，运用身体语言，进行富有挑战的即席演出，并在趣味的舞池中，体会到演员的形态必须由“戏”而不是由角色而来。
(三)促进个性化演出形式的发展
就拿音乐剧（《爵士时代》))片段F0SSE))的教学来说： FOSSE是一种快速而富有节奏的帽子舞蹈，它是一种带有强烈爵士气息的外放的舞蹈。
对学员进行彩排，目的在于加强他们的动作的协调和风格，让他们的头、肩、腰、臀、躯干等身体的每一个部位，都能做出各自的动作，快速而又有力地把头、肩、臂、臀等部位的动作凸显出来并牢牢地锁定。
通过培训，让学员认识到，心灵的情绪与身体的沟通，人与人的演出是互相沟通、互相激发的，要向身体投入更多的激情，通过随意变化的扭曲，让四肢得到放松，释放。
用身体的形式表达情绪，增加身体的节奏感与表达能力，能够准确地表达出音乐的节奏感与运动的协调一致。在培训过程中，注重发挥学员的创意能力，注重学员的个性表现。
(四)对身体姿态的准确认识与掌握，有利于对角色个性的塑造
在实践教学中，经常出现的问题是，由于生活经历相对简单，缺少实际经历和丰富情感，导致了学生理解力、分析力、感受力、表现力等方面的不足。
假如把自己亲身经历过的人生表现出来，多数同学表现得更自然，对沟通也更精准。
但是一旦他们遇到一些远离他们生命的事物，情绪，他们就会很没有信心，无法放开自己，对角色的感觉也很模糊不清。
在这个情境中，首先要让孩子发现外在行为，从而引发情绪，这样才能更好地发挥作用。由于外在行为要较好地被他们所了解和接受，所以外在行为是有形的。
例如，他在芝加哥的一部音乐作品中，用一部《凳子》和一支乐队的舞曲，引导同学们从身体上理解故事情节，进入人物的心里。
除了让学员们熟练地熟悉该团体的基础形式及舞姿之外，更要让学员们能演绎出不同的女性角色。
利用座椅作为工具，来展现她们挑逗、性感、妩媚、放荡、玩世不恭、变态扭曲等角色的内心，还有她们在监狱中渴望自由、向往外面美好生活的情景。
通过对“舞”的讲解，使同学们认识到，舞蹈是一种非常有价值的艺术形式，舞蹈是一种非常有价值的艺术形式，舞蹈是一种非常有价值的艺术形式。
在班级中，有些同学的个性比较内敛，也比较含蓄，他们在舞蹈时会感到害羞，在演出时会把自己的手脚都放开，缺少了在舞台上应该具有的冲击力和爆炸力。
教师让同学们自己设计角色的个性特点，以及他们为何会入狱。
总之，在进行戏曲形态课的过程中，要树立与时俱进、求新求新的观念，找到适合戏曲形态课的最好的方法，激发学员的积极性，释放学员的创造性。
我们将古典歌剧院的舞曲部分引入剧场形态课，通过三年多的实践与经验，获得了良好的效果。
通过不断地练习，使学员在台上的形象表达更加的自信心和富有感染力，并使他们的整体演出质量有了很大的提升。
他们在饰演各种戏曲角色的时候，已经能够有意识地发掘自身的身体表演潜能，努力将人物的体态仪表、举止风度都精确地重现出来，将故事情节和人物性格都栩栩如生地展现出来，从而取得最好的艺术成果，更好地为戏曲演出提供了舞台。
参考文献
跨越文化的希敏娜
无形的遗产
重建人的心灵空间是一个艰巨的任务
异域文学
文/视界科技
编辑/视界科技
音乐剧是一种以戏剧为基础，音乐为其精髓，舞蹈作为一种主要的表达方式，通过戏剧、舞蹈和音乐三大要素的高度融合，来讲述故事，刻画人物，传达思想。
今天，这个美丽的场景被更多的中国人看到了。
近年来，北京剧院相继演出了《猫》、《巴黎圣母院》、《吉屋出租》、《胡歌》、《西区故事》、《妈妈咪呀》、《42号街》等一系列举世闻名的音乐剧目。
我们在感受到这一点的同时，也在思索着，该怎样将歌舞剧的舞姿应用于剧场的形态教育之中。
本文将从歌舞团的舞台性质，使得歌舞团离不开舞团，在歌舞团中，舞团是继音乐之后，歌舞团的重要组成部分。
而舞曲则以各自的单独的舞步，将其灵魂核心完整地呈现在戏剧的舞台上，从而使其变成了最为灵活的表演手段。
与传统的芭蕾相比，音乐舞曲的舞姿并不优雅而高雅，其舞姿特征更多的是贴近生命。
百老汇歌剧院的舞蹈风格，融合了爵士舞、芭蕾舞、踢踏舞、欧美民族舞蹈、拉丁舞等诸多舞蹈形式，以爵士舞、踢踏舞等形式来表达人们的生活与情绪，特别是不同风格的爵士舞，在歌剧院的音乐表演中更是大行其道。
现代的爵士舞曲，更是将当下最受欢迎的乐曲与舞曲融为一体，形成了一种别具一格，极富感染力的表演风格，在现代的舞坛上熠熠生辉，熠熠生辉。
它是一种兼容并蓄、灵活多变的舞种，它可以借鉴和模仿其他的舞种，将芭蕾的姿势、踢踏舞的敏捷、现代舞种的身体收缩和舒展、拉丁舞种的步伐、摇摆臀部、东方人上身的移动姿势等都融入到了它的节奏中，再加上一首古典的曲子。
在舞蹈过程中，有时候会弹响手指，有时候会摆首顿足，有时候会有一些激动和强烈的情绪，有时候又会有一些迟缓和轻盈，将自己的身体融入到了音乐之中。
用身体的颠、抖、扭来表达自己的情感。它是一种快速而有活力的节奏性舞蹈，具有很强的生命力和创造力。
其特点就是简单，随心所欲，没有任何矫揉造作。
而且，在这部戏中，演员们所创造出来的热情四溢的氛围，以及他们的欢乐愉快的心情，都有着极强的感染力，他们可以精确地表达出一个新时代年轻人的内心世界和人生状况。
《猫》），《西部故事》，《芝加哥》，《为你疯狂》等许多古典音乐作品中都有一些十分有名的爵士舞剪辑。
总之，在一部音乐剧里，舞蹈是一部充满了热情的表演，它用一种流畅的身体美感，以及一种非常活泼的舞姿，来将那些不能用音乐和戏曲来传达的情感表现出来。
演员运用强大的身体语言来表现他们的快乐与痛苦，利用他们在表演过程中的变化来表现角色的情感波动，并利用他们在表演过程中身体动作的幅度、力度、速度来表现他们的戏剧效果。
在此基础上，运用各种技巧，将舞曲和故事结合起来，推动故事的发展，并展现出角色间的矛盾和矛盾，使得舞曲片断呈现出强烈的戏剧色彩。
在人物塑造，情感表达，舞台节奏，铺陈场面，推进剧情，表现矛盾等方面，都是最好的素材和方法，许多经典之举，堪称绝无仅有。
我们都知道，在舞台上，只有把角色刻画得惟妙惟肖，才能达到最好的效果。
当前，伴随着多种戏剧形态的发展，无论是歌剧中的唱念做打，还是舞台上的说演，以及音乐剧中的载歌载舞，都对演员的整体素质提出了一种新的要求，因此，身体的质量对演员来说尤为关键。
一位优秀的演员，能够运用丰富多彩的形象，刻画角色，抒发感情，讲述故事，打动观众。
在当代，在戏剧的舞台表演中，不仅要有演员懂得表演，还要有良好的外型气质。
此外，还对演员的形体的表现力、协调性、柔韧度、节奏感、灵活性都要好，还需要将角色的身体表现空间的广度与深度加以扩展。
剧院表演系在选拔人才方面，并没有像舞蹈系那样严格的身体条件。
这些被录取的学员，有些是艺术院校的，有些是有着扎实扎实的基本功，有些却是非常薄弱，这种巨大的差距，对以后的形体教育造成了很大的困难。
因此，教师在授课时，要根据学员们的身体状况，进行针对性的教育，尽可能地将学员们的体能潜能发挥到最大。
采用多种的教育方式和方式对其进行培训和启发，使其自觉地纠正在日常生活中不恰当的形体姿势，使其能够对自己的身体进行自由控制，使其更加富有张力和表现能力。
在戏曲艺术专业中，学生的身体素质教育具有多样性，而身体素质的培养和身体素质的培养又是其中的关键环节。
在剧场的形体教育中，怎样去遵守剧场的艺术规则，怎样去指导学员去调整和符合剧场表演对形体表达的特定需求，怎样去提升学员的形体表达能力。
让学员能够在经过严格训练之后，拥有一个很好的形体基本功，在使用身体语言来刻画出一个能更好地为演出而工作的角色，这些都是我们必须要进行很长时间的深入探讨的问题。
作为教师，要开拓思维，建立新的教育观念，要有较强的创造性。为达到现代戏曲的目的，应注重对学员进行全面的美术素养教育。
所以，在形体课的教育中，要与时俱进，要善于学习，要善于借鉴，不要墨守成规，要对课程进行科学的改革。
如果能够对演出教育有一定的帮助，可以在很快的速度内，将他们的演出热情和身体表现的技能都发挥出来，我们就可以借鉴并学习。
总的来说，在经过三年的教育之后，在学校中，设立了一门音乐舞蹈片段课程，对学生们进行了很大程度上的拓展，同时也为其他专业课程提供了很多的启发和借鉴。
同时，他们也变得更有了自己的性格，知道了怎样运用外在的身体姿势，来表达自己的内心的感受。
在教室里，他们不仅学习到了跳舞的片段，他们还学习到了如何专注、忘我、自信地用自己的身体来表达自己，展示出自己的个性。
他们还学习到了将跳舞和戏曲相融合，学习到了在跳舞中进行戏曲演出，牢记了“形体是为演出而生的”这句话。
央视（2006，毕业歌一一青年集结在军旗下，我们编排和编排的戏曲教学（声台形表）综合栏目（寻梦），同学们将我们的教育成果很好地展现出来。
歌舞剧中的舞曲，就是用多种音乐和多种类型的舞姿，配合故事情节、声音和对白，来表达故事情节。
在剧场形态训练方面，我们将提供具有冲击力、爆发力及表现能力的古典音乐舞曲片段课程，其中包含爵士舞，现代舞单一元素的训练，协调与身体局部节奏的训练，爱尔兰式的脚踏舞训练，身体机能训练及声音训练，以及各种不同类型的百老汇音乐曲目的表演。
在三年多的实践中，我们逐步总结出如下几点经验：
（一）要以“快乐学习”为指导思想
在教学过程中，要追求一种轻松、活泼、幽默、生动的氛围，充分发挥学员的积极性，使学员在愉快、激动的氛围中进行练习。本课程以学生的身体为出发点，从头到脚展开对其的练习。
在教室中，以选择出具有典型爵士风格特征的舞蹈要素（包括现代爵士舞和芭蕾爵士舞的基础要素）为基础，对其展开教学，让同学们明白，爵士舞是一种风情万种，急促而富有动态的节奏型舞蹈。
练习要有标准的体制和方式，说明了白马骑士舞的放松，发泄，送胯，扭腰，有爆发力，有激情，身体呈波浪状，还有一种扭曲是其最大的特征。
对学员的训练，有一定的指导意义，对其进行正确的头部、肩膀、躯干、臀部的摇摆和扭转，对身体的屈伸，旋转，绕环，摆振等的连贯性和连贯性都要达到很好的效果。
然后，他会选择一些不错的爵士乐来练习。
在一首充满活力和活力的爵士乐曲中，学员们的精神会变得亢奋，他们的肉体会不自觉地跟着节拍跳舞，他们的心灵也会跟着他们的肉体剧烈的动作，自然而然地流露出一种激动和热情的情绪（在演出练习中，这样的情绪是非常必要的）。
在练习中要让同学们明白，身体是我的，不是他人的，要学习信心，要勇敢的发展，要把身体发挥到极限。
对同学们来说，要掌握好他们的身体部位与韵律的改变，要尽可能地将自己的四肢进行放大，要有自己的独特性。
经过严谨的教学，学员们的四肢协调能力、各部位的柔韧性、爆发力、柔韧性都得到了极大的提升。为学员提供令人惊讶的节奏感觉和神经兴奋度的培训。
告知了他们要进行每个动作，都要有内心的感觉和表现，着重要让他们在维持身体的快速、激烈的运动的条件下，发出响亮的声音。
并在进行演出的过程中，能够比较好地调节、控制身体呼吸与演出状态的稳定性，从而维持身体的和谐、和谐与美。让学员们通过一支爵士舞蹈，将自己的情绪和情绪表达在舞蹈中。
去寻找“自我”和“自由”，去影响和影响自己和别人，从而实现培训目标。
(二)循序渐进地讲授古典音乐舞曲片断
歌舞团是一种富有挑战和先进性的教育。
我们在授课过程中，重视对学生进行对人物形象的刻画，加强学生对角色的感受和表现的技能，重视表演和舞蹈之间的内在联系，已经构成了一套比较完善的、有特色的戏曲形体课程。
这种培训对于学习戏曲表演的人来说非常关键。
从最基本的舞蹈要素的培训，到相对困难的音乐剧舞蹈片段的培训，这是一个从肉体到精神的蜕变，因此，培训的内容也相对复杂。舞蹈片断与舞台要素的培养，则是其主要的课程（歌舞剧的一个主要表达方式，就是要把握舞台的精髓进行演出）。
我们的特点是：在舞台上进行了短篇的舞蹈教育，并在舞台上进行了全方位的演出教育。
在教学方面，选取了有一定指导意义和特色的古典舞曲短片。
运用基础的“描红法”教学，强化对演员的形态技巧与舞感，并以舞台上的场景为指导，运用身体语言，进行富有挑战的即席演出，并在趣味的舞池中，体会到演员的形态必须由“戏”而不是由角色而来。
(三)促进个性化演出形式的发展
就拿音乐剧（《爵士时代》))片段F0SSE))的教学来说： FOSSE是一种快速而富有节奏的帽子舞蹈，它是一种带有强烈爵士气息的外放的舞蹈。
对学员进行彩排，目的在于加强他们的动作的协调和风格，让他们的头、肩、腰、臀、躯干等身体的每一个部位，都能做出各自的动作，快速而又有力地把头、肩、臂、臀等部位的动作凸显出来并牢牢地锁定。
通过培训，让学员认识到，心灵的情绪与身体的沟通，人与人的演出是互相沟通、互相激发的，要向身体投入更多的激情，通过随意变化的扭曲，让四肢得到放松，释放。
用身体的形式表达情绪，增加身体的节奏感与表达能力，能够准确地表达出音乐的节奏感与运动的协调一致。在培训过程中，注重发挥学员的创意能力，注重学员的个性表现。
(四)对身体姿态的准确认识与掌握，有利于对角色个性的塑造
在实践教学中，经常出现的问题是，由于生活经历相对简单，缺少实际经历和丰富情感，导致了学生理解力、分析力、感受力、表现力等方面的不足。
假如把自己亲身经历过的人生表现出来，多数同学表现得更自然，对沟通也更精准。
但是一旦他们遇到一些远离他们生命的事物，情绪，他们就会很没有信心，无法放开自己，对角色的感觉也很模糊不清。
在这个情境中，首先要让孩子发现外在行为，从而引发情绪，这样才能更好地发挥作用。由于外在行为要较好地被他们所了解和接受，所以外在行为是有形的。
例如，他在芝加哥的一部音乐作品中，用一部《凳子》和一支乐队的舞曲，引导同学们从身体上理解故事情节，进入人物的心里。
除了让学员们熟练地熟悉该团体的基础形式及舞姿之外，更要让学员们能演绎出不同的女性角色。
利用座椅作为工具，来展现她们挑逗、性感、妩媚、放荡、玩世不恭、变态扭曲等角色的内心，还有她们在监狱中渴望自由、向往外面美好生活的情景。
通过对“舞”的讲解，使同学们认识到，舞蹈是一种非常有价值的艺术形式，舞蹈是一种非常有价值的艺术形式，舞蹈是一种非常有价值的艺术形式。
在班级中，有些同学的个性比较内敛，也比较含蓄，他们在舞蹈时会感到害羞，在演出时会把自己的手脚都放开，缺少了在舞台上应该具有的冲击力和爆炸力。
教师让同学们自己设计角色的个性特点，以及他们为何会入狱。
总之，在进行戏曲形态课的过程中，要树立与时俱进、求新求新的观念，找到适合戏曲形态课的最好的方法，激发学员的积极性，释放学员的创造性。
我们将古典歌剧院的舞曲部分引入剧场形态课，通过三年多的实践与经验，获得了良好的效果。
通过不断地练习，使学员在台上的形象表达更加的自信心和富有感染力，并使他们的整体演出质量有了很大的提升。
他们在饰演各种戏曲角色的时候，已经能够有意识地发掘自身的身体表演潜能，努力将人物的体态仪表、举止风度都精确地重现出来，将故事情节和人物性格都栩栩如生地展现出来，从而取得最好的艺术成果，更好地为戏曲演出提供了舞台。
参考文献
跨越文化的希敏娜
无形的遗产
重建人的心灵空间是一个艰巨的任务
异域文学